L’art de la destruction : Pascal Convert, Bibliothèque cristallisée, 2020
« Le verre est un matériau de prédilection, qui traverse tous les temps. »1
Le livre aussi sacré que vulnérable est sujet à l’inévitable passage du temps. La matière du livre qui compose la pensée, la connaissance et la mémoire est ainsi éphémère, vouée à disparaître. Si l’on considère que le livre est un objet sensible qui détient sa propre mémoire matière, alors se pose la question de savoir s’il est possible de le préserver face au passage du temps, et de quelle manière. Quelle matière pourrait résister au temps et incarner la connaissance et la mémoire de la pensée du livre ? La bibliothèque cristallisée de Pascal Convert se heurte à cette question. L’écrivain artiste dont la pratique gravite autour de la question de la mémoire, de l’histoire, s’est intéressé de près à la matérialité du livre au travers de la bibliothèque comme le support sensoriel d’une tension entre la matière et la pensée.
Photographie : Eric Sander, Catalogue d’exposition du Domaine de Chaumont-sur-Loire, ouvrage cartonné, dos carré, 130 p. Visible ici.
Pour reprendre les termes de Philippe Dagen, la bibliothèque « est la forme matérielle et visible de la pensée, du savoir, des sciences, de la poésie »2, elle est aussi l’espace visible d’une tension entre la permanence et le renouvellement des savoirs et de la connaissance qui devient chez Pascal Convert par le médium du verre, le support sensible d’une tension entre la préservation et la destruction de la pensée et de la mémoire matérielle du livre. L’acte de destruction est central dans sa pratique, elle est le point de départ de la recréation de cette mémoire matérielle et le verre en est le matériau symbolique. Pour réaliser ses livres, l’artiste verse du verre en fusion dans un moule dans lequel se trouve le véritable livre. Cela entraîne un phénomène physique particulier; la chaleur va instantanément brûler le livre, le verre et la matière du livre fusionnent jusqu’à détruire et remplacer sa forme et son contenu. La réaction chimique du verre aboutit à un résultat unique, le livre se fige immédiatement, il est alors cristallisé. Cette pratique est expérimentale.
Ce processus de détournement est appliqué à l’ensemble des livres. En fonction du volume, de l’épaisseur, des reliures, de la qualité de la couverture, le verre génère des livres spécifiques. La pénétration de la lumière à travers la perception du matériau en verre nous révèle une série d’indices, des surfaces rugueuses, des trous, des nuances et des déformations de la matière, presque de façon géode. Ce que l’artiste nomme lui-même un « détournement »3 de la matière, suppose aussi un détournement de la conception de l’objet-livre. Comme le souligne Dagen, l’artiste se saisit du livre pour en faire une oeuvre, ce n’est ni une imitation ni un simulacre. L’historien envisage de le considérer comme un « fossile » alors empreint d’une mémoire puisqu’il est « le résultat d’un processus de substitution »4 qui enregistre la forme et la préserve. D’une certaine manière, la cristallisation va au-delà du détournement du concept du livre, elle le réinvente en transposant la pensée dissimulée en une empreinte visible sur la matière elle-même. Ainsi, la mémoire devient matière et la matière acquiert une mémoire.
« Le verre est arrivé comme un matériau immédiat […] on y retient la question du reflet et du retournement […] le son du verre est aussi important […] Le verre a un rapport au temps, on a un effet de bascule, on ne sait pas si les pièces viennent du passé. »5
Paradoxalement, le matériau du verre transgresse son analogie à la fragilité à laquelle on l’associe et se révèle comme le support de la résistance au temps. En cela, le savoir aussi cristallisé échappe au temps, la connaissance n’est plus ni passive ni active, mais demeure immuable et nous rappelle par le reflet que la matière génère celles qui ont été réduites au silence solennel des cendres. Le livre fossile est alors une promesse symbolique de survie. Dans sa pratique, Convert introduit une poétique du détournement où l’acte de brûler prend une forme métaphorique, le feu n’est plus synonyme de destruction du livre et mais devient essentiel pour sa préservation et sa régénérescence. N’est-ce pas là l’essence même de la commémoration ? De se souvenir de l’existence d’un savoir, d’une connaissance en la transformant, en la préservant autrement ? Cette dualité entre la destruction et la préservation de la mémoire nous fait prendre conscience que la matière peut être le substitut de la pensée, le point de départ de la recréation du livre. Finalement, détruire le livre est une manière de le recréer, de renouveler sa pensée et célébrer sa mémoire et le verre une matière littéraire bien parce qu’il incarne l’antagonisme de la vulnérabilité plastique et de la force métaphorique du livre.
Cet article a été écrit par Flavie MAURY, étudiante en M2 Recherche Littératures et Arts à l’université Toulouse Jean Jaurès, 11/12/2023.
1 TILLIER, Bertrand, « La mémoire, l’histoire et la racine de l’immédiateté. Entretien avec Pascal Convert », dans Sociétés et représentations [en ligne], Éditions de la Sorbonne, 2012, p. 77-92, p. 84.
2 DAGEN, Philippe, « Pascal Convert, Memento », dans Catalogue de d’exposition de Pascal Convert au domaine de Chaumont-sur-Loire [en ligne], Édition Domaine de Chaumont-sur-loire, 2020, 130 pages, p. 1.
3 Pascal Convert, Podcast, « Retourner-Renverser-empreinte », dans Pascal Convert – matérialité et retournement [en ligne], Actes d’arts, 2022.
4 DAGEN, Philippe, Pascal Convert, Memento, dans Catalogue de d’exposition de Pascal Convert au domaine de Chaumont-sur-Loire [en ligne], Édition Domaine de Chaumont-sur-loire, 2020, 130 pages, p. 1.
5 Ibid, Podcast, Pascal Convert.
Bibliographie :
DAGEN, Philippe, « Pascal Convert, Memento », dans Catalogue de d’exposition de Pascal Convert au domaine de Chaumont-sur-Loire [en ligne], Édition Domaine de Chaumont-sur-loire, 2020, 130 pages.
Disponible sur le lien suivant : http://pascalconvert.fr/temps/bibliotcristallise.html
Thibault, Clément, « Pascal Convert, Memento », dans Catalogue de d’exposition de Pascal Convert au domaine de Chaumont-sur-Loire [en ligne], Édition Domaine de Chaumont-sur-loire, 2020, 130 pages.
Disponible sur le lien suivant : http://clementhibault.xyz/portraits-entretiens/2020/4/21/speculum-secretorum
TILLIER, Bertrand, « La mémoire, l’histoire et la racine de l’immédiateté. Entretien avec Pascal Convert », dans Sociétés et représentations [en ligne], Éditions de la Sorbonne, 2012, p. 77-92.
Disponible sur le lien suivant :
https://www.cairn.info/revue-societes-et-representations-2012-1-page-77.htm&wt.src=pdf
Émission radiophonique :
Podcast, « Retourner-Renverser-empreinte », dans Pascal Convert – matérialité et retournement [en ligne], Actes d’arts, 26/02/2022.
Disponible sur le lien suivant : https://www.actesdarts.com/podcast-item/pascal-convert-materialite-et-retournement/
Consultation des images sur les sites suivants :
http://pascalconvert.fr/temps/bibliotcristallise.html
https://boutiques.domaine-chaumont.fr/fr/pascal-convert-memento
Ordalies livresques. Réception d’Ingeborg Bachmann et de Paul Celan (Anselm Kiefer, Cécile Ladjali)
Ingeborg Bachmann (1926-1973), poétesse et romancière autrichienne et Paul Celan (1920-1950), poète roumain, sont d’importantes figures de la production littéraire en langue allemande et de sa renaissance après les ravages de la Seconde Guerre mondiale. En 1945, au crépuscule des combats et à l’aube d’un traumatisme qu’il faut surmonter, naît l’artiste contemporain allemand Anselm Kiefer. Il partage avec Cécile Ladjali, une romancière contemporaine française d’origine iranienne, cette volonté d’explorer la réception des amants-poètes mythiques dans son œuvre.
Ces deux élans littéraire et artistique s’organisent autour de notions fondatrices des poésies de Bachmann et Celan, et notamment de ce que l’on peut nommer des motifs ordaliques. Originellement, l’ordalie est un jugement divin, que l’on pratiquait durant l’Inquisition. Les condamnés étaient soumis à l’épreuve des flammes ou de l’eau. Ceux qui survivaient étaient innocentés, car l’on considérait que Dieu les avait jugés non coupables. Anselm Kiefer, dans ses œuvres dédiées aux poètes laisse presque toujours paraître les indices d’un feu désormais éteint, les brûlures sont vives, la matière est parfois à l’état de cendre, tout semble carbonisé. Chez Cécile Ladjali, et notamment dans son roman consacré aux poètes, Ordalie[1], paru en 2009, les éléments du feu et de l’eau occupent une place primordiale. En effet, Celan meurt noyé dans la Seine, après s’être jeté dans le fleuve depuis le Pont Mirabeau à Paris et Bachmann ne survit pas aux brûlures provoquées par un incendie dans sa chambre d’hôtel à Rome. Tels des amants maudits, ils se complètent jusque dans la mort. Sadegh Hedayat, écrivain iranien du XXe siècle, fait partie lui aussi des figures dont Cécile Ladjali s’inspire pour aborder cette thématique. Puisque la vie des poètes est placée sous ce signe ordalique, qu’en est-il de leurs livres ? Comment Anselm Kiefer et Cécile Ladjali dans leurs créations respectives ont-ils rendu compte de ce cauchemar qui hante les poètes : l’ordalie livresque.
Si les humains ont été soumis aux épreuves ordaliques au cours de l’Histoire, les créations humaines ont parfois connu le même sort. Les œuvres et notamment les livres ont subi l’épreuve des flammes ou de l’eau de tout temps et en tout lieu. Dans son roman Ordalie, dans lequel les personnages nommés Ilse et Lenz sont des reprises fictionnelles d’Ingeborg Bachmann et Paul Celan, Ladjali s’empare largement de cette réalité historique. Composé de citations, notamment d’Ingeborg Bachmann issues de son roman Malina[2], le texte reprend par exemple ces quelques phrases significatives : « Tu comprends mes lettres enflammées, les appels enflammés, mes désirs enflammés, tout le feu que j’ai mis au papier de ma main brûlée, j’ai peur que tout cela ne donne qu’un bout de papier carbonisé. D’autant que tout le papier du monde finit par être carbonisé ou détrempé car, après le feu, ils envoient l’eau[3]».
Il y a de la part de Bachmann la volonté de faire directement référence aux épisodes d’autodafés de 1933. Elle évoque la menace du biblioclasme par l’eau ou le feu et dans le même temps elle se présente elle aussi en destructrice pyromane. Les poètes vivent avec la pensée que leurs œuvres ne peuvent accéder à l’immortalité, mais aussi que les livres et la poésie qui y est contenue sont voués à la même destinée que ceux qui l’écrivent.
À la lecture d’autres récits de Ladjali, l’influence des réflexions bachmanniennes à propos de la destruction des livres est perceptible. Ainsi, son roman La Fille de Personne publié en 2020[4] s’empare de ce phénomène ordalique. Le personnage principal, Luce Notte, est une étudiante qui travaille sur la destruction des bibliothèques par le feu. Ainsi le récit est parsemé de notes de l’étudiante recueillant divers cas de bibliothèques incendiées. Tout le récit est construit autour de cette obsession pour les brasiers livresques. Les deux figures d’écrivains qu’elle rencontre ne sont pas sans lien avec les biblioclasmes. En effet, le premier Franz Kafka, avait avant de mourir confié à un ami sa volonté de détruire l’intégralité de ses écrits, pour qu’il n’en reste aucune trace. Une volonté que son ami n’a pas respectée puisque nous avons aujourd’hui accès aux écrits de l’auteur de La Métamorphose. Le deuxième écrivain est Sadegh Hedayat, iranien en exil à Paris, qui lui aussi cède à ce penchant pour la destruction de son œuvre. Le roman s’ouvre d’ailleurs sur l’épisode de l’œuvre mise au feu : « Dans le cendrier du poêle, tes mots se sont changés en poudre grise et couvrent les charbons ardents[5] ». Dans le roman, l’accomplissement des ouvrages passe par la destruction. Telle est l’idée radicale que soutiennent les deux écrivains, Kafka et Hedayat. Le feu est la menace d’une disparition prochaine mais c’est aussi l’élément qui contient la plus grande ferveur. Il devient synonyme d’apogée. Seul un livre brûlé est un livre achevé. C’est paradoxalement autour de la notion de destruction des œuvres que les œuvres même de Ladjali gravitent.
Anselm Kiefer, pour sa part, accorde une place importante à l’objet livre, sous une forme souvent dégradée, altérée, à chaque fois illisible. Le plus souvent il s’agit de livres de plomb, couverts de cendres.
| „dein goldenes Haar Margarete dein aschenes Haar Sulamith“ | « tes cheveux d’or Margarete tes cheveux de cendre Sulamith » |
Il s’agit ici d’un exemple du dialogue entre la poésie de Celan et l’art d’Anselm Kiefer, un dialogue fortement entretenu. L’œuvre s’intitule Sulamith. Ce livre de plomb fait référence au poème de Celan « Todesfuge » (« Fugue de la mort »). Cette inspiration est explicite par le renvoi au vers du poème : « dein aschenes Haar Sulamith » (« Tes cheveux de cendres Sulamith »). En effet, la cendre se trouve sur les pages, ainsi que les mèches d’une chevelure noire de femme. Quand Celan évoque « une balle de plomb » (« bleierner Kugel »), Anselm Kiefer propose un livre de plomb. Se retrouvent aussi quelques zones chromatiques allant vers l’ocre ou le doré, comme pour rappeler le contraste entre les « cheveux de cendres » de Sulamith et les « cheveux d’or » de Margarete dans le poème (« dein goldenes Haar Margarete »). Paul Celan écrit ses poèmes pour ne pas oublier les crimes de la Shoah, pour que le lecteur en visualise une image mémorable et Kiefer poursuit ce dessein. Le poème offre à l’œuvre de Kiefer un contexte poétique et historique. L’image contient en elle le sens porté par le poème. L’œuvre plastique est donc en expansion, elle ne se contente plus de ses seuls dispositifs pour créer du sens, elle possède en arrière-plan une puissance poétique. Le livre de plomb devient symbole de la poésie et simultanément la poésie permet à l’œuvre plastique d’acquérir un nouveau statut, celui de mémorial. Anselm Kiefer, dans ses toiles monumentales ou dans une œuvre comme celle-ci, joue sur les contradictions entre les matières. Sans la technique concrète du feu, le plasticien offre au regard du spectateur ce qui semble être la survivance d’un incendie. La tension qui est probablement la plus forte est celle qui s’établit entre le plomb et les cendres. Anselm Kiefer joue du paradoxe entre fragilité et pérennité, entre oubli et mémoire. Il offre aux livres un pouvoir, celui de n’être plus inflammables, alors qu’ils ont tout l’air d’être déjà brûlés. Il semble vouloir rétablir en ce sens une justice mémorielle.
« Au commencement était le verbe. Mais, chez moi, il y a d’abord eu les livres en plomb. Et ces livres sont intéressants dans la mesure où ils sont impossibles à lire, ils sont trop lourds, le plomb ne laisse rien passer, c’est la dissimulation totale. Une allusion à la dialectique de l’être et du néant. Dans toute chose que nous faisons, sa négation est toujours déjà contenue. Les livres en plomb sont des paradoxes parfaits. Tu pourras ni les feuilleter ni les lire et tu ignoreras ce qu’il y a dedans.[7] »
Sulamith n’est pas le seul livre en plomb réalisé par le plasticien contemporain. Il en a constitué des « bibliothèques ». Là aussi réside un paradoxe. Kiefer offre au regard une incohérence hautement symbolique : il garde la bibliothèque comme structure, comme squelette permettant de maintenir le rassemblement des livres de plomb, mais les livres eux-mêmes prennent un aspect altéré, carbonisé. Tout semble détruit excepté ce qui fait le lien entre eux. Anselm Kiefer nous fait plonger dans l’illusion. Nous croyons à la fragilité de ces livres couleur charbon, pourtant plus résistants que ceux de papier. Le plomb permet de représenter les conséquences de l’acte biblioclaste alors que celui-ci n’a pas eu lieu. Le livre est inaccessible, illisible et cela crée chez le spectateur un sentiment d’irréversibilité. Pourtant ces livres, nés du métal, n’ont jamais existé autrement.
Par-delà le dialogue avec Celan, Anselm Kiefer investit ce symbole du livre en référence aux bûchers organisés par les nazis avant la Seconde Guerre mondiale. Ainsi, son œuvre est toute imprégnée du souvenir dans lequel il s’est construit et a grandi. Andréa Lauterwein[8] rappelle que lorsqu’il s’agit de faire référence au recueil celanien Pavot et Mémoire, Kiefer choisit les livres comme allégorie de la mémoire. Kiefer tout comme Ladjali font apparaître les livres soumis à l’épreuve ordalique, autrement dit, comme un souvenir noyé, une mémoire incendiée.
Théa STIEREMANS (étudiante en Master 2 Lettres, université Toulouse-Jean Jaurès, 2022)
[1] Cécile LADJALI, Ordalie, Arles, Actes Sud, 2009.
[2] Ingeborg BACHMANN, Malina [1971], Paris, Edition du Seuil, 2008.
[3] Ibid., p. 208.
[4] Cécile LADJALI, La Fille de Personne, Arles, Actes Sud, 2020.
[5] Ibid., p. 7-8.
[6] Celan Paul. « Fugue de mort », Po&sie, vol. 122-123, no. 4-1, 2007, pp. 7-12.
[7] Anselm Kiefer, L’alchimie du livre, dir. Marie Minssieux-Chamonard, Paris, Editions du Seuil/Bibliothèque nationale de France, 2015, page 237.
[8] Andréa LAUTERWEIN, Anselm Kiefer et la poésie de Paul Celan, Paris, Editions du Regard, 2006, page 51.
DAVA ou la désacralisation du livre
Sacha Béhar et Augustin Schakelpopoulos sont deux humoristes français qui ont fondé le collectif humoristique Divertissement Ad Vitam Æternam, plus connu sous le nom de DAVA. Les deux comédiens ont perfectionné des personnages misanthropes, froids et cyniques, aux propos souvent scandaleux et révoltants. Ils pratiquent un humour noir raffiné qui fait grincer les dents le public tout en faisant rire. Pour cela, ils évoquent des sujets graves mais de façon impudente et absurde, pour provoquer un décalage qui surprendra l’auditoire, mais ils n’hésitent pas non plus à critiquer la société qui les entoure, que ce soit en se moquant des débats publics ou en parodiant des émissions ou des personnalités.
En 2014, la web radio Piiaf cherche à promouvoir les jeunes talents et voit en Sacha Béhar et Augustin Schakelpopoulos une forme de l’humour à contre-courant des tendances de l’époque. Elle laisse carte blanche aux deux humoristes pour animer chaque semaine sur Youtube une ‘‘chronique littéraire’’ intitulée Fiche de Lecture, qui parodie les émissions de critique littéraire et qui tourne en ridicule les clichés sur les littéraires. L’émission se moque de tout le monde, et surtout des deux comédiens, qui jouent deux critiques qui ne comprennent jamais les livres dont ils parlent. Mais DAVA ridiculise aussi les journalistes, les tics de langage convenus, les auteurs et même les livres.
Les deux humoristes ne se posent aucune limite concernant les livres abordés dans l’émission, ils peuvent aussi bien parler de Cinquante nuances de Grey de E. L. James, comme ils peuvent traiter d’un classique de la littérature comme Roméo et Juliette de Shakespeare. Cela montre l’envie des deux humoristes de mettre au même niveau des œuvres très différentes et de ne pas les sacraliser. Cette envie de désacraliser les livres se fait également ressentir dans les analyses que les comédiens font, et qui ont pour unique but d’être le moins pertinentes possible. Par exemple, dans l’émission sur La Métamorphose de Kafka, ils soutiennent que le livre est inspiré d’une histoire vraie, et qu’il est une « dénonciation de la présence des acariens dans le textile de la classe moyenne praguoise durant la première moitié du XXe siècle ». Cette façon de se moquer du discours intellectuel permet aux humoristes d’opérer un travail de sape autour du culte rendu au livre.
Mais les humoristes de DAVA vont encore plus loin dans la désacralisation du monde littéraire, puisqu’ils attaquent également l’objet qu’est le livre, en le dégradant à chaque fin d’épisode, comme une dernière chute humoristique provocatrice. Ainsi, nous pouvons les voir jeter un livre à la fenêtre dans l’épisode sur Roméo et Juliette pour parodier la scène du balcon, ou encore asperger d’insecticide La Métamorphose en référence à l’insecte que devient Gregor Samsa. Il semble donc qu’ils se moquent de cette sacralisation du livre, et ils n’hésiteront pas à aller plus loin dans leur épisode sur Eva de Simon Liberati en mettant le livre dans de l’eau en ébullition ou en roulant sur leur exemplaire de La Septième fonction du langage de Laurent Binet. Cette destruction du livre, les deux humoristes en rigolent et parlent même d’ouvrages maltraités en interview, ils iront même plus loin dans l’absurde en déclarant que « seule la photocopie tue le livre. » Par l’humour, DAVA ridiculise le monde littéraire et ses codes, et s’attaque à l’objet-livre pour mieux le désacraliser.
Cet article a été rédigé Terry CAUSSIDERI, étudiant en L3 de Lettres et Arts à l’université Toulouse Jean Jaurès, 2021
Entre déconstruction et création, l’œuvre d’Estefanía Penafiel Loaiza
Estefanía Peñafiel Loaiza, artiste équatorienne, travaille sur le livre, sa destruction et sa création. « La disparition, ou tout du moins la possibilité de la disparition est toujours présente dans le travail de l’artiste » disait Camille Paulhan à son propos. Elle réalise notamment une série de sept œuvres qui questionnent le livre Ecuador d’Henri Michaux écrit en 1929. Lors d’une excursion en Equateur en 1927, Michaux tient un journal de voyages réunissant poèmes, cartes et anecdotes.
De la même manière que Michaux a exploré l’Equateur, Loaiza explore le livre de Michaux. Le livre devient une terre de réflexion, qu’elle cherche à apprivoiser. A travers des performances, elle étudie chaque chapitre du livre, par des approches différentes. Création et destruction font corps dans ses œuvres. Alors qu’il semblerait commun de partir d’un objet créé pour ensuite le détruire, Loaiza use du livre détruit pour arriver à la création. Par l’utilisation d’un montage inversé, elle déconstruit l’œuvre pour mieux la recréer.
Dans la première œuvre de la série, Sans titre (paysage), Loaiza efface cette phrase extraite d’Ecuador : « l’horizon d’abord disparaît ». Une plume vient faire disparaître l’encre sur le papier, telle une introduction.
Ensuite, débutent les cartographies.
D’après l’Ecuador, l’artiste transforme le territoire du texte en situation de lecture. Ces cartographies ouvrent des hypothèses sur un lieu inventé par Michaux, qui est en fait un territoire littéraire.
Eduardo Jorge de Oliveira, « Pays d’encre, lignes des mots : l’Ecuador d’Estefanía Peñafiel Loaiza »
Cartographies 4 – Nausée, est un diptyque vidéo particulièrement intéressant pour notre propos. Il s’agit d’une mise en scène où nous pouvons apprécier les lèvres de l’artiste qui régurgitent du papier sur lequel est inscrit le texte de Michaux. Une façon pour l’artiste de remettre en question la notion de ligne imaginaire derrière le mot « Équateur ».
Extrait vidéo de cartographies 4 – Nausée / © fragments liminaires
L’artiste parcourt ainsi notre rapport au livre, et interroge son utilisation comme support artistique vivant. Malgré son amour certain pour l’objet-livre, Loaiza n’hésite pas à le sacrifier au profit de la création.
Cet article a été rédigé par Clara CARMENTRAN et Terry CAUSSIDERI, étudiante et étudiant en L3 de Lettres et Arts à l’université Toulouse Jean Jaurès, 2021
Recycler ses livres, un acte répréhensible ?
Aujourd’hui, j’aimerais vous raconter une anecdote.
Alors que je travaillais dans une déchetterie, un homme est venu avec un carton rempli d’encyclopédies. Une collection complète d’une édition qui m’est inconnue. Il venait porter tous ces ouvrages dans la benne à papier pour qu’ils soient recyclés. Je me souviens avoir été surprise de cette volonté de jeter tous ces livres, d’au moins 1,5 kg chacun. Voir ces livres, aux couvertures de cuir et aux titres dorés, prêts à être jetés, me peinait. Voir que le savoir détenu dans ces livres, ne valait la peine d’être conservé.
Bien sûr, je n’ai pas manqué d’exprimer ma surprise, ce qui conduisit cet homme à m’offrir sa collection si je voulais la prendre. Et il avait raison. Je n’en voulais pas. Où diable aurais-je exposé ces livres ? Quand aurais-je bien pris la peine de les lire ? Leur incommodité prenait le pas sur leur valeur matérielle et intellectuelle.
Le nouveau Larousse illustré, par AUGE Claude, 1808-1907, aux éditions Larousse / © Le Dicopathe
Dans L’œuvre d’art à l’époque de la reproductibilité technique, Walter Benjamin évoque la fin de la valeur cultuelle des œuvres dès lors que la reproduction technique est possible. Dans son ouvrage, il se centre sur les cas de la photographie et du cinéma, mais l’imprimerie est bien évidemment à considérer. Lorsqu’un polar, ou tout autre livre de poche, est mis dans la benne, cela ne me surprend pas. En effet, je sais que ces livres ne sont pas uniques, leur savoir et leur matérialité restent accessibles. En revanche, lorsque que je vois ces belles éditions, bien qu’elles ne soient pas forcément plus uniques, je ne peux m’empêcher de m’interroger : est-ce qu’un livre à la préciosité apparente, a plus de légitimité qu’un autre à ne pas être détruit ?
Cet article a été écrit par Clara CARMENTRAN, étudiante en L3 de Lettres et Arts à l’université Toulouse Jean Jaurès, 2021
Armé d’une gomme : Jérémie Bennequin
C’est là l’ambiguïté fondamentale d’un culte sacrilège qui, au même titre que l’idée dialectique d’une démolition constructrice, suppose en l’occurrence de sacraliser l’œuvre d’un auteur en la profanant. Ambivalence d’un hommage rendu à travers le gommage. D’où le titre générique de mon aventure : ommage.
Ecrits, « L’Ecrit de Proust effacé », Jérémie Bennequin, février 2016.
Armé d’une gomme à encre et d’un livre, Jérémie Bennequin gomme, gomme, gomme, et gomme.
Lire un livre et se sentir si éminemment imprégné de ce dernier, que nous ne voulons pas en lire les dernières pages et quitter cet univers fictionnel. Une fois la quatrième de couverture close, le bibliophile est envahi de sentiments de tristesse, de désarroi, d’introspection… Et parfois, la fin n’est pas acceptée. C’est ce sentiment de refus qui a poussé Jérémie Bennequin, l’artiste bibliophile né en 1881, à sa performance artistique, consistant à gommer A la recherche du temps perdu, l’œuvre de Marcel Proust.
[…] je suis arrivé à la fin du Temps retrouvé, dernier des sept tomes de ce roman. J’ai alors éprouvé le vertige de la mise en abîme qui caractérise la conclusion proustienne au terme de son épopée. Ce texte engage une expérience vécue. Ce jour là, spontanément, j’ai fait disparaître avec une gomme abrasive l’ultime phrase du récit. Geste dérisoire, pulsion insensée – désir inconscient d’en suspendre la chute ? – mon gommage de Proust a débuté instinctivement, dans l’indifférence de l’art, sans comprendre pourquoi ni comment cet ouvrage devrait disparaître.
(Ecrits, « L’Ecrit de Proust effacé », Jérémie Bennequin, février 2016)
De là est né Ommage : A la recherche du temps perdu. Le performeur s’attèle à effacer chaque ligne de ce chef d’œuvre, comme une sorte de rituel obsessionnel. Une œuvre peut donc nous marquer au point de devoir mettre en place tout un processus pour réussir enfin à s’en détacher. Jour après jour, ligne après ligne, il s’émancipe de ce livre, finalement, tout autant qu’il s’en imprègne plus encore. Jérémie Bennequin s’approprie la matérialité du livre, comme l’enfant gribouille dessus, mais il procède quant à lui par retrait ; il réduit l’inscription du texte et affine l’épaisseur des pages. Il crée un nouveau livre, lui confère une nouvelle dimension artistique, comme un témoin de son passage sur cet ouvrage. Livre d’artiste, journal intime d’un passage quotidien, livre de culte : autant de nouvelles dimensions pour ce roman.
Si vous souhaitez vous aussi vous imprégner d’un chef d’œuvre littéraire, vous trouverez le parfait manuel de gommage sur son site internet !
Cet article a été rédigé par Clara CARMENTRAN, étudiante de L3 Lettres et Arts à l’université Toulouse Jean Jaurès, 2021